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TEATRO CERVANTES - MÁLAGA




Presenta diferentes obras


RUFUS WAINWRIGHT

MÚSICA octubre jueves 2 y 3 a las 21.00 h.

Después de su exitoso paso por el pasado Festival Internacional de Jazz de Málaga, donde dejó boquiabierto al público que colmaba el Teatro Cervantes con su interpretación del cancionero de Judy Garland y de sus temas emblemáticos, Rufus Wainwright regresa al mismo escenario como invitado especial para abrir la Temporada 2008-09. Aquellos que no asistieron en noviembre de 2007 al derroche de genialidad y exquisitez del músico canadiense nacido en EEUU, que bailó, se travistió y escanció su peculiar voz ante un auditorio entregado, podrán verlo ahora sentado al piano repasando lo más escogido de su discografía.
Wainwright repasará los temas de su más reciente álbum, Release the stars (07), un disco ecléctico y de pop luminoso que según la crítica sería una suerte de amalgama del sonido de toda su carrera, y además tocará perlas de sus primeros trabajos y algunas de las versiones de las que él se adueña nada más rozarlas. El público andaluz lo ha visto recientemente en el festival Territorios, en Sevilla, donde cayó una recordada versión del “Hallelujah” de Leonard Cohen, en un show que está llevando de gira por Europa y que vuelve a demostrar las múltiples influencias de este genio de familia musical (es hijo de los cantantes de folk Loudon Wainwright III y Kate McGarrigle, y hermano de la también cantante Martha Wainwright). Desde la majestuosidad de la ópera hasta el pop orquestal heredado de Burt Bacharach o Brian Wilson, pasando por la efervescencia del musical de Broadway, el cabaret, las sutilezas de los folk singers, el soul o el colorido del glam, todo cabe en la batidora de un artista ampuloso y divertido, simpático y delicado, excesivo y sutil, barroco y dramático.
Un atípico talento musical
El fenómeno Rufus Wainwright (Rhinebeck, Nueva York, EEUU, 1973) comienza cuando su debut discográfico, allá por 1998, le valiera la etiqueta de Mejor Nuevo Artista del año por la revista ‘Rolling Stone’. A partir de entonces, su pop orquestal y barroco, su mezcla inequívoca de opulencia e intimismo le ha valido una cohorte de declarados adictos en progresivo aumento y un status de clásico que a sus treinta y cinco años es, más que una excepción, una proeza. Rufus es a todas luces uno de los mejores y más atípicos talentos musicales surgidos en la última década. Partiendo de influencias que van desde el folk a la ópera, pasando por el pop electrónico, la canción francesa y el musical, su estilo es una exquisita concurrencia de contrastes, letras cáusticas y confesionales, megalomanía, manierismos vocales, opulencia, histrionismo… que él hace sublime cuando en otros no sería más que hortera. Y su trayectoria discográfica no es más que la evidencia de cómo todo ello se ha ido destilando, adquiriendo dulzura, madurez y un cierto tono épico que lo encumbra más y más. Rufus Wainwright (98), Poses (01), Want one (03) y Want two (04) y Release the stars (07) definen a un compositor, cantante e intérprete pretencioso, descarado, egocéntrico… al tiempo que preciosista, versátil, divertido, estremecedor… genial.

ORQUESTA FILARMÓNICA DE MÁLAGA

P.I. TCHAIKOVSKY
MÚSICA octubre sábado 4 (21.00 h) y domingo 5 (20.30 h.)

Aldo Ceccato director

Concierto nº3 para piano y orquesta en Si bemol mayor, Op. 75, P.I. Tchaikovsky
Antonio Ortiz piano

Manfred, Op. 58, P.I. Tchaikovsky

ANTONIO ORTIZ piano

Campillos, Málaga, 1980. Realiza sus estudios en el Conservatorio Superior de Málaga, la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, L´Ecole Normale de Musique Alfred Cotot de París y el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares. A su reciente éxito en el Premio del Palau de la Música de Barcelona, hay que sumar otros primeros premios en concursos nacionales e internacionales. Ha actuado como solista, entre otros, en el Auditorio Nacional de Madrid, el Liceo de Barcelona, el Auditorio Manuel de Falla de Granada o el Palacio de Festivales de Cantabria. Ha realizado grabaciones discográficas para TVE y Radio Clásica de RNE y, tras obtener el Premio de Interpretación Musical Amigos del Colegio de España de París, un CD con obras de Debussy, Ravel, Albéniz, Bartók y Prokofiev.

ALDO CECCATO director

Nacido en Milán en 1934, comienza sus estudios de música en el Conservatorio Verdi de esta ciudad, continuándolos en la Escuela Superior de Música de Berlín. Ha sido director titular de las orquestas filarmónicas de Hamburgo y de Bergen, Orquesta NDR en Hannover y de la RAI de Turín, así como director artístico y permanente de la Sinfónica de Detroit. Ha dirigido las filarmónicas de Berlín, Nueva York, Israel y Londres. Entre 1991 y 1994, fue director titular de la Orquesta Nacional de España. Ha recibido la Medalla de Oro de la Ciudad de Hamburgo por su dedicación a la obra de Johannes Brahms y ha sido investido Doctor Honoris Causa por la Eastern Michigan University. Es Académico de Santa Cecilia de Roma. Desde la temporada 2004-2005 es director titular y artístico de la Orquesta Filarmónica de Málaga.

D. PÉREZ, P.I. TCHAIKOVSKY
MÚSICA octubre viernes 10 y sábado 11 (21.00 h.)
Aldo Ceccato director

El lago durmiente (*), D. Pérez

Variaciones sobre un tema rococó para violonchelo y orquesta en La mayor, Op. 33, P.I. Tchaikovsky

Asier Polo violonchelo

Sinfonía nº4 en fa menor, Op. 36, P.I. Tchaikovsky

Obra de encargo de la OFM. Estreno absoluto

ASIER POLO violonchelo

Bilbao. Estudia con E. Pascu, M. Kliegel e I. Moniguetti y, entre otras, en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. Pronto destacó al obtener los primeros premios de violonchelo y música de cámara en los Concursos Nacionales de Juventudes Musicales (1987-1989). Colabora con la mayoría de las orquestas españolas, destacando la gira por Sudamérica con la Orquesta Nacional de España y el maestro Frühbeck de Burgos, así como con numerosas orquestas extranjeras, bajo las más prestigiosas batutas. Alfredo Kraus lo invitó en los últimos años de su carrera a colaborar como solista en sus conciertos, actuando en el Maggio Fiorentino (Florencia), Covent Garden (Londres), Musikverein (Viena), etc. Ha realizado grabaciones discográficas para Claves, RTVE o Naxos. Compositores como G. Erkoreka, Luis de Pablo y A. García Abril le han dedicado sus obras. Cabe destacar su compromiso con la música actual, en especial la española. Ha sido galardonado con numerosos premios, entre los que cabe destacar el Ojo Crítico de Radio Nacional (02) y Fundación CEOE a la Interpretación Musical (04). Actualmente es profesor en el Centro Superior de Música del País Vasco.

Toca un violonchelo Francesco Rugieri (Cremona, 1689). Es considerado uno de los diez mejores chelistas del mundo.


PERET

MÚSICA octubre miércoles 15 21.00 h.

Desde 1957, Pedro Pubill Calaf (Mataró, 1935), año tras año y antes de que existiera “la canción del verano”, nos ha regalado auténticos éxitos populares, de esos que llenaban las verbenas populares y las pistas de las discotecas, y que eran editados en discos pequeños de vinilo, de una o dos canciones por cara. Ya en los sesenta, empezó con el nombre artístico de Peret una meteórica carrera en la que, junto con otros pioneros como Antonio González, El Pescaílla, dio forma a un género, la rumba catalana, que recogía tanto influencias caribeñas (la guaracha, el son, el mambo, la rumba afrocubana) como aires flamencos (bulerías y tangos) y pose de estrella del rock and roll.

Desde el modesto sello Discophon, pildorazos en 45 rpm como “La fiesta no es para feos”, “Don Toribio”, “Cumaco San Juan (El gitano fino)” o “¡Lo mato!” precedieron a su primer gran éxito, “Una lágrima”, una versión rumbera de un vals del maestro Monreal que grabó en 1967 y que el verano del 68 fue una de las canciones más escuchadas. Las emisoras de radio, máquinas de discos, tabernas y bares, casinos, discotecas, guateques y fiestas mayores de pueblos y ciudades se llenaban de sus rumbas energéticas, y en directo Peret deslumbraba con su desparpajo y simpatía, con sus patillas y con sus pintorescos palmeros.

El gitano de Mataró siguió interpretando canciones rotundas (“Qué cosas tiene el amor”, “A mí las mujeres ni fu ni fa”, “Tracatrá”, “¡Lo mato!”), hizo películas (“Amor a todo gas”, “El mesón del gitano”, “Si fulano fuese mengano”) y triunfó fuera de las fronteras de nuestro país con un tema, “Borriquito”, que fue canción del verano en 1971 tanto en las playas de Levante y la Costa del Sol como en Francia, Suiza, Alemania, Holanda e Italia. Ya era no sólo el Rey de la Rumba, sino un músico exportable que acudió a la edición de 1974 del Festival de Eurovisión, con un bienintencionado tema, “Canta y sé feliz”, que sucumbe ante la fuerza de cuatro suecos que empezarían con su “Waterloo” otra fulgurante carrera.

Así, aquella forma divertida de ganarse una dinerito para pagarse la fiesta, grabando unas canciones, acabó siendo una forma de vida para Pedro Calaf que marcó estilo entre los jóvenes y tendencias en el vestir, y que abrió caminos en la música latina. Con un pie en el flamenco y otro en Elvis Presley, Pérez Prado o Beny Moré, Peret ha sabido siempre llevar al terreno de la rumba casi cualquier estilo.

Con 73 años, con su carisma, con su voz inconfundible, con su extraordinaria capacidad de comunicar, Peret reparte energía y sabiduría a partes iguales con ritmo y sensualidad, sin olvidar las claves del género que le hizo famoso: el surrealismo de las letras y los bailes, el ritmo inagotable del ventilador y las palmas y la guasa.

Su último álbum, Que levante el dedo (2007), es una crónica social que describe en sus canciones los semblantes y problemas de las prostitutas de hoy, una irreverencia que recuerda a la que hizo en los 60 con el mítico “El mig amic”, que pasó la censura de la época y fue cantado en catalán en la tele de Franco (no en vano Vazquez Montalbán o Serrat dijeron de este tema que podría ser una de las primeras canciones de la “nova cançó” o la canción protesta).

Este octubre, para celebrar los 50 años de la rumba catalana y tras actuar en Viña Rock, Pirineos Sur, Expo de Zaragoza, o el Lincoln Centre de Nueva York, sale a la venta un nuevo disco de Peret del que el artista ha adelantado que contendrá cuplés, tangos argentinos y otros temas que escuchaba él cuando era preadolescente.

TEATRO

HUMO. galiardo producciones s.a. / entrecajas s.l.

octubre viernes 17 y sábado 18 (21.00 h.)

HUMO
¿es la mentira la más peligrosa de las adicciones?

autor y director JUAN CARLOS RUBIO

con JUAN LUIS GALIARDO, KITI MÁNVER, BERNABÉ RICO y GEMMA GIMÉNEZ

Premio SGAE 2005
duración 1.35 h. (s/i)

Juan Luis Galiardo, uno de los grandes de nuestro panorama cinematográfico y teatral, da vida a Luis Balmes, un terapeuta que lleva casi dos décadas viajando por el mundo y ayudando a todo el que pague por ello a librarse de la peligrosa adicción al tabaco. Su famosa terapia le ha llevado hasta Málaga, ciudad en la que reside su ex esposa, Ana, interpretada por Kiti Mánver. Luis decide ir a visitarla al periódico local (en el que la mujer trabaja e intenta sacar a flote su vida profesional y personal) y confesarle el más inconfesable de los secretos: ha vuelto a fumar. Una vez juntos, las verdades y las mentiras irán saliendo a flote. Nada es lo que parece. El pasado y el presente se mezclan en una noche que se presenta larga. Y es que a ambos les cuesta reconocer que la adicción más peligrosa que comparten es su propio amor...

¿Es la mentira la más peligrosa de las adicciones? Humo lleva a escena el misterio de las zonas oscuras de la mente: sueños, pesadillas, ilusiones, anhelos, recuerdos, deseos ocultos, esperanzas y temores. La apariencia y el simulacro, la constatación de que sólo por azar llegamos a comunicarnos con los demás componen el eje de una obra que habla, aunque con ternura, de los vendedores de humo.
Juan Luis Galiardo describe Humo como “una tragicomedia catártica y sanadora porque tiene todos los pilares de la vida, incidiendo en el mundo de las apariencias, las adicciones y las mentiras en las que se ha instalado la sociedad de nuestros días”. Con estos mimbres el autor apuesta por las variables “entretenimiento”, “terapia” y “pensamiento” como “propuestas históricas del teatro que deben ser retomadas con brío”. Con esta obra se cumplen todos estos requisitos y se crea una interactividad con el espectador que es lo que posibilita la verdadera cultura.

“Los puntales de Humo son, naturalmente, un volcánico Juan Luis Galiardo y una impecable Kiti Mánver. En la fortaleza y sabiduría de ambos se apoyan dos jóvenes (Gemma Giménez y Bernabé Rico), cuya inocencia es contrapunto de los resabios de los mayores”.
Javier Villán El Mundo
DANZA

SANTO Y SEÑA. Eva Yerbabuena ballet flamenco

octubre sábado 25 (21.00 h) y domingo 26 (20.30 h.)

idea original, coreografía y dirección artística EVA YERBABUENA
composición y dirección musical Paco Jarana

al baile .. Eva Yerbabuena
cuerpo de baile .. Juan Carlos Cardoso, Eduardo Guerrero, Alejandro Rodríguez y Juan Manuel Zurano
al cante .. Enrique Soto, Pepe de Pura, Jeromo Segura y José Valencia
guitarras .. Paco Jarana y Manuel de la Luz
percusión .. Raúl Domínguez
saxo-flauta .. Ignacio Vidaechea
palmas .. Carlos Grilo y Luis Cantarote

“Lo mejor de la noche es el silencio, porque en él se descubre, o que la luz no tiene la importancia que creemos, o que en la oscuridad la vida es más intensa. Por eso es conveniente muchas veces impedirle a los ojos la mirada, asumir ese reto de sentir, de otorgarle sabor a lo que olemos, tocamos o escuchamos sin saber de su aspecto, su forma o su color. Sólo así damos vida al centinela del reto, aquel que nos hace entender que a través del tiempo vive la creación, a través de la huella del momento sagrado y su transformación en una gran marea en cuya espuma sólo algunos poseen el privilegio de poder descubrir lo que hemos sido, somos o esperamos llegar a ser un día”.
Eva Yerbabuena.
Santo y seña sintetiza las propuestas coreográficas que Eva Yerbabuena –Premio Nacional de Danza 2001, Premio Max de las Artes Escénicas 2005 y 2006, y Medalla de Andalucía 2007– ha ido presentando desde que creó su propia compañía en 1998. Una miscelánea de la que se extraen fragmentos de espectáculos como Eva (1998), 5 mujeres 5 (2000) o El huso de la memoria (2006). Una retrospectiva que muestra la labor artística y creadora de una de las bailaoras más importantes del panorama actual del flamenco.
Siguiriyas, farrucas, bulerías, tientos y soleares forman el tronco de Santo y seña, sexto espectáculo de la bailaora nacida en Frankfurt y criada en Granada, que se presenta por primera vez en la capital de la Costa del Sol, donde Eva Yerbabuena ha conseguido grandes éxitos con sus anteriores coreografías, Eva (1998), 5 mujeres 5 (2000), La voz del silencio (2002), A cuatro voces (2004), El huso de la memoria (2006) y Santo y seña (2007).

Eva Yerbabuena
Nace en 1970 en Frankfurt, Alemania. Sus padres la trasladan a Granada quince días después. Bailaora de cierta formación autodidacta, comienza a desarrollar su faceta de coreógrafa desde muy joven. Este interés le lleva a crear su propia compañía en 1998. Sus inicios están marcados por la experiencia de grandes maestros como Enrique ‘El Canastero’ , Angustillas ‘La Mona’, Mariquilla y Mario Maya. Simultanea los estudios de danza con otras disciplinas como el arte dramático y la coreografía, esta última en La Habana (Cuba) de la mano de Johannes García. En 1985, comienza su trayectoria profesional en la compañía de Rafael Aguilar con Diquela de la Alhambra. Algunos años más tarde, pasa a formar parte de la compañía de Paco Moyano interpretando Ausencia, A tomar café, y De Leyenda. A partir de 1990 colabora esporádicamente con Javier Latorre, Manolete, El Güito y con Merche Esmeralda en Mujeres.
Artistas de la talla de Pina Bausch y Carolyn Carlson admiran su trabajo y demandan su colaboración. En el caso de Pina Bausch, Eva participa desde 2001 en los festivales que la coreógrafa alemana organiza en Wuppertal, sede de su compañía, al lado de figuras como Sylvie Guillem, Ana Laguna, Marie Claude Pietragalla, Mikhail Baryshnikov. Carolyn Carlson cuenta con Eva para la creación de una coreografía en la Bienal de Venecia de 1999.

Flamenco Women (1997), del director británico Mike Figgis, supone su primer contacto con el cine. La colaboración en este documental no deja indiferente a su director quien la convoca nuevamente para Hotel (2001), largometraje de ficción donde Eva comparte experiencias con John Malkovich entre otros.

Desde la creación de su compañía Eva realiza giras mundiales y nacionales por los mejores teatros del mundo y de España; desde el teatro de la Zarzuela donde El huso de la memoria inauguró su 150 aniversario, hasta la Opera de Sydney donde “Eva” fue testigo de la primera presencia de la danza flamenca en este templo de la música, pasando por el teatro de la Ville, Sadler’s Wells, Royal Albert Hall, City Center, Opera de Dusseldorf, Teatro Municipal de Sao Paulo...... Eva Yerbabuena Ballet Flamenco mantiene vivo todo su repertorio.
La proyección tanto nacional como internacional de estos trabajos y la labor de Yerbabuena como bailaora y coreógrafa es reflejo de los numerosos e importantes galardones recibidos. Entre ellos cabe citar, el Premio Flamenco Hoy, en la categoría de mejor Bailaora, los años 1999, 2000 y 2001; el Premio Nacional de Danza en 2001, Premios Giraldillos de la XII Bienal de Flamenco de Sevilla, como mejor Intérprete y Bailaora, en 2002; de la XIV Bienal de Flamenco al mejor baile, en 2006; Premio Time Out, como mejor intérprete femenina de danza, 2003; Premios Max de las Artes Escénicas como mejor Intérprete Femenina de Danza y Mejor Espectáculo de Danza por Eva: a cal y canto, 2005; Premios Max de las Artes Escénicas como mejor Intérprete Femenina de Danza, 2006 por A cuatro voces. Medalla de Andalucía, concedida en febrero 2007.

Paco Jarana

Nace en Sevilla en 1966. Sus primeros contactos con la guitarra y el flamenco se producen a los 8 años de la mano de su padre, Luis Franco. Completó sus conocimientos de la guitarra flamenca con los estudios en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, donde conoció la guitarra de concierto. Su interés por la composición es patente y así lo demuestran los numerosos encargos que recibe de grandes figuras de la danza flamenca, como Mario Maya, Farruco, Matilde Coral, Javier Latorre... Asimismo y desde 1998, es compositor de la música de los espectáculos de Eva Yerbabuena Ballet Flamenco (Eva, 5 mujeres 5, La voz del silencio, A cuatro voces, El huso de la memoria y Santo y seña) por los que ha recibido el reconocimiento de los profesionales con premios como el Giraldillo 2004 a la mejor música original por A cuatro voces. La Bienal de Sevilla 2006 le otorga el Giraldillo al mejor toque.

RÓISÍN MURPHY. Overpowered

MÚSICA octubre martes 28 21.00 h.

Róisín Murphy .. voz
Eddie Stevens .. teclados
Davide De Rose .. batería
Rob Mullarkey .. bajo
Alastair Brown .. guitarra
Jodie Scantlebury .. coros
Rhianna Kenny .. coros

La vocalista irlandesa Róisín Murphy no es ninguna desconocida en la escena del pop electrónico internacional. Hasta su separación profesional, en 2003, –tras la sentimental, en 2001– formó junto a Mark Brydon y durante ocho años el dúo Moloko, famoso por sus exitazos para las pistas de baile.

La rubia irlandesa empezó a grabar como solista en 2004 con el productor Matthew Herbert, quien ya había producido remixes para Moloko, y que le ayudó a facturar un Ruby blue (05) con el que se desligaba de su pasado en el dúo pero en el que continuaba explorando el electropop y la música disco de vanguardia del nuevo milenio, ahora en competencia con diosas del mainstream como Kylie Minogue o Madonna y con estrellas del underground del dance como Ellen Allien. Con Ruby blue, Róisín demostró que no sólo era una excelente intérprete y una virtuosa del ritmo, sino que también sabía proponer una música que, al tiempo de encender las pistas, podía ser considerada como un legítimo aporte al fecundo horizonte musical del nuevo milenio.
Este propósito de fusión entre el pop femenino y ligero y la electrónica bailable continúa con Overpowered (07), álbum adictivo y elegante que se ha comparado con lo último de Goldfrapp o Peaches. Concienzuda, inteligente, la revisión del dance de la cantante irlandesa está extraordinariamente bien elaborada, en una perfecta síntesis de pop adhesivo, funk y música disco con base electrónica de laboratorio, y todo con el aliño de su exquisitez, personalidad y calidad vocal. Su estética, siempre con un cariz premeditadamente retro, se alimenta ahora también de colores vivos y estética chillona, como se puede comprobar al ver a los travestis y zombies en el desopilante vídeo de su single “Movie star” o las imágenes del primer y homónimo sencillo del álbum, un “Overpowered” de voz angelical sobre bases de frío electro. En ambos vídeos, como en el de “Let me know”, que recuerda a los mejores estribillos de los mismos Moloko, la Murphy aparece con vestidos imposibles, aunque paradójicamente dando una imagen sobria y sofisticada que está captada con un cuidadísimo tratamiento visual. Es decir, un aluvión de gélida rítmica bailable con cálido y seductor pop vocal facturado para mover todos los músculos del cuerpo, y que en vivo se convierte en algo más carnal, con instrumentos tradicionales que comparten el protagonismo con las programaciones.
Róisín Marie Murphy nació y se crió en Arklow, Condado de Wicklow, Irlanda, en 1973. Con 12 años se instaló con su familia en Manchester, Inglaterra, país donde permanecería pese a que sus padres se divorciaron y regresaron a Irlanda poco después. En 1994, Róisín conoció a Mark Brydon en una fiesta, usando la frase “¿Te gusta mi suéter apretado? Mira como se ajusta a mi cuerpo”, una cita que sería el título del primer álbum del dúo Moloko, “Do you like my tight sweater?” (95). La frescura bailable del álbum, que contenía elementos de funk junto con influencias del entonces imperante trip-hop, su sentido del humor y el gancho de temas como “Fun for me” consolidaron a Moloko en el Olimpo de la música underground, en el que continuarían gracias a canciones llenapistas como “Sing it back”, de su segundo disco, I’m not a doctor (98). Things to make and do (00), con temas impactantes y pegadizos como “The time is now”, “Pure pleasaure seeker” e “Indigo”, siguió en la senda del éxito, y su último álbum, Statues (03), se editó cuando la relación de pareja entre Róisín y Mark había ya terminado.

ORQUESTA FILARMÓNICA DE MÁLAGA
A. Dvorak

MÚSICA octubre / noviembre viernes 31 (20.30 h.) y sábado 1 (20.00 h.)

director Ewald Danel

Serenata para cuerdas en Mi mayor, Op. 22, A. Dvorak
Serenata para vientos en re menor, Op. 44, A. Dvorak
Sinfonía nº6 en Re mayor, Op. 60, A. Dvorak

EWALD DANEL director

Estudia Violín y Dirección en el Conservatorio de Ostrava (República Checa) y, más tarde, en la Academia de Música y Drama en Bratislava (Eslovaquia). Finalizados sus estudios, es concertino, entre otras, de la Orquesta Sinfónica de la Radio Eslovaca y de la Orquesta Filarmónica Eslovaca, de la que también es solista y con la que debuta como director. Entre 1997 y 1998 es concertino invitado en la Orquesta Sinfónica Municipal de São Paulo (Brasil). A partir de 2001 es director artístico de la Orquesta de Cámara Eslovaca, en la que introduce un extenso repertorio, con la que realiza importantes proyectos y numerosas giras por Japón. En este país desarrolla un largo período de cooperación con las orquestas Sinfónica de Hiroshima, de Cámara Harmonia de Tokio, de Cámara Akita, Filarmónica de Nagoya, Ensemble Kanasawa y Sinfónica de Osaka. Es un experimentado músico de cámara: cofundador del Trío Piano Eslovaco, músico principal del Cuarteto Eslovaco y, entre 1992 y 1996, director artístico de la Orquesta de Cámara de la Ciudad de Bratislava - Capella Istropolitana. Entre 1999 y 2003 fue profesor visitante en la Universidad Aichi de Bellas Artes y Música de Nagoya, donde vuelve a serlo desde abril de 2007.

C/ Ramos Marín s/n – Málaga - España
952 224 109

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